'Hamnet' (★★★✩✩), la verdadera tragedia del bardo y otros estrenos de la semana

Estos son los estrenos que llegan a las pantallas de cine este 23 de enero:

Por Jordi Batlle Caminal

En el año 1999, “Shakespeare enamorado” y “Salvar al soldado Ryan” compitieron en la carrera de los Oscar. Ganó la película de John Madden por siete a cinco, pero la estatuilla al mejor director se la llevó, muy merecidamente, Steven Spielberg. El recuerdo de “Shakespeare enamorado” es inevitable a la hora de encarar otra realización centrada en la vida del bardo de Avon, “Hamnet”, que además llega con el dorado perfume del Oscar adherido a sus fotogramas (acaban de concederle nada menos que ocho nominaciones) después de haber ganado ya dos Globos de Oro (mejor película dramática y mejor actriz principal en obra dramática). No habrá que competir con Spielberg en esta ocasión, porque Spielberg está ya dentro de “Hamnet” en tanto que productor. El autor de “Tiburón” aprendió la lección: Shakespeare es más atractivo para el gran público que un soldado de la Segunda Guerra Mundial.

“Hamnet”, película de trazos un tanto académicos, se basa en la novela homónima de Maggie O’Farrell, adaptada por la propia escritora en colaboración con Chloé Zhao, cuya ficción se inspira en un episodio trágico y verídico de la vida del dramaturgo: la muerte de uno de sus tres hijos, el gemelo que da título a libro y película; episodio que, de hecho, fue el embrión que acabaría dando forma a “La tragedia de Hamlet, príncipe de Dinamarca”. La primera parte, que describe a Shakespeare enamorándose, casándose y viviendo feliz como un jilguero con su pareja y sus hijos, la conforma una sucesión de estampas bucólicas, asilvestradas, solo contaminadas por zonas de sombra que parecen extractos de “La bruja”, de Robert Eggers. En este tramo ya observamos que el peso dramático recae no tanto en Shakespeare como en su mujer. Y en la actriz que la interpreta, una sobresaliente Jessie Buckley, que tiene su gran momento en la larga secuencia de la tragedia, un fragmento de enorme fuerza cinematográfica.

Instalado ya el dolor tanto en los protagonistas como en el tuétano de la película, el relato se encarrila hacia la catarsis, que se sitúa durante la representación de “Hamlet”. Es una recta final tan potente como discutible, pues se detecta en ella un dispositivo (el uso invasivo de la música, por ejemplo) demasiado diseñado para conmover al espectador a toda costa.

Por Philipp Engel

“Me gustaría tanto saber dibujar, puedes expresar todo lo que te pasa por la cabeza”, declara Arco, el pequeño héroe con capa de arco iris de esta maravilla francesa multipremiada y multinominada, que ha viajado de Cannes rumbo a los Oscar, con el dibujante Ugo Bienvenu (autor de cómics como Preferencias del sistema o la adaptación de Sunkwan Island) en cabeza. Esa frase sintetiza, de hecho, las posibilidades de la animación: un cine sin límites para la imaginación, ideal para la creación de mundos nuevos. En Arco, aparecen dos futuros posibles: un 2075 en una Suburbia amenazada por catástrofes naturales, con robots asumiendo funciones tan significativas como los cuidados o la enseñanza, además de las más previsibles tareas de vigilancia, y un 2932 más redentor, donde la Humanidad, capacitada para volar y viajar en el tiempo, se ha encaramado a los cielos para “dejar descansar a la Tierra”.

Un niño de 2932 aterriza en 2075, y traba algo más que una amistad con una niña de nuestro fin de siècle, medio abandonada por sus padres, que le ayudará a volver a su casa. Muy E.T., sí, tampoco faltan momentos de gran emotividad. Aunque también podría señalarse una sensibilidad en la órbita de Mia Hansen-Løve –tanto el director, como su coguionista, Félix de Givry, o algunas de las voces de la V.O., participaron en Edén–. La animación en 2D presenta una muy gozosa estética setentera que bebe tanto de Moebius & Co de Métal Hurlant como de toda clase de anime, de Ghibli a series como Comando G o Ulises 31, pasando por Dragon Ball. Tierna, inteligente y de una belleza extraordinaria, tiene también la subversiva vocación de llamar a la resistencia en un mundo en llamas. Lo mejor en esa línea desde la fabulosa, aunque híbrida, Los Mitchell contra las máquinas, pero en un tono completamente distinto, mucho más poético y cercano, pongamos, a El Planeta Salvaje, de René Laloux, por mentar otro hito histórico de la animación francesa. Una cita inmejorable para devolver el poder a la fundamental animación.

Por Salvador Llopart

Un espectáculo barroco, húmedo como el mismo paisaje en que transcurre. Con personajes imposibles -Willem Defoe como un Don Quijote de los pantanos; Emily Watson como una Juanita Calamidad entre montañas- y de resentimientos antiguos. La historia, sin embargo, es simple. Adecuada para los más pequeños. Un Ochi, una criatura extraña, como de otro planeta (aquí todos parecen de otro planeta), quiere volver con los suyos. Y Yuri, interpretada por la joven y gran actriz Helena Zengel, lo ayuda en la aventura. Lo mejor, lo más singular, ya digo, es el paisaje y los ecos de viejas historias.

Por P. Engel

Si Minority Report resultaba tan elegante como profética, lo que cuenta este thriller a supuesto tiempo real, cual episodio de 24, es tan antiestético como su época y podría suceder pasado mañana: la IA como jueza imparcial de juicios sumarísimos en los que el acusado tiene 90 minutos para demostrar su inocencia, no ya su culpabilidad, en base a toda la información almacenada en la nube global, y si no, pues inyección letal. Va con narrativa yanqui de policía alcohólico, pero genera tensión y es original.

Por J. Batlle

Inspirada en dos relatos de Mariana Enríquez, escritora especializada en el género de terror, esta película es un cóctel de crudo, rabioso realismo social (una zona empobrecida en el extrarradio bonaerense), tradicional “coming of age” en torno a tres muchachas y cine fantástico: las inquietantes imágenes del carro putrefacto de un mendigo, los actos de brujería de la abuela, etc. Casabé es una aclamada voz del nuevo cine argentino, a la que se ha comparado ya con Lucrecia Martel. J. Batlle.

Por S. Llopart

Dicen que es la primera gran película sobre el campeonato de MotoGP, la máxima competición mundial de motociclismo. El británico Mat Whitecross, formado en el documental, sabe que ese es su mayor atractivo y, por eso, rueda con voluntad de realismo sin olvidar el espectáculo. El sonido es fundamental, como lo es la cámara subjetiva en las propias motos. El drama se decanta peligrosamente hacia el culebrón y eso la hace resbalar en demasiadas ocasiones, casi tantas como el protagonista, Edu Serra (Óscar Casas), se cae de su moto.

Por S. Llopart

Este retorno a Silent Hill, una saga que nació de un recordado videojuego, deja una sensación de indefinición y desespero. No es de horror, como sus dos entregas precedentes querían ser. Ni hace honor al mundo onírico del que nace. Es un batiburrillo de imágenes vagamente surrealistas, inspirada en el mito de Orfeo y la búsqueda desesperada de Euridice en el mundo de las sombras. La confusa tragedia amorosa se apuntala en la espectacularidad cansina de unas imágenes imposibles al servicio de una historia confusa y vacía.