'Marty Supreme' (★★★★★), pillo en Manhattan y distintos estrenos de la semana

Estos son los estrenos que llegan a las pantallas de cine este 30 de enero:

Por Salvador Llopart

Te dispones a vivir un suceso único. Vas a presenciar una magnífica demostración de cine arrollador y fascinante, cuya vitalidad te atrapará desde el comienzo. Te damos la bienvenida a un torbellino de emociones, un despliegue de excentricidades y una exhibición de las debilidades humanas. Aleja el teléfono; ni siquiera recordarás su presencia. Mediante Marty Supreme es imposible —y no se desea— quitar la vista de la imagen. Esta resultará una vivencia tan vibrante como extenuante. El remedio ideal ante la distracción audiovisual.

Esta película, realizada individualmente por Josh Safdie —la mitad, junto a su hermano Ben, de la pareja creativa de los hermanos Safdie—, ha sido calificada como una biografía típica. ¿Lo conocías? Yo tampoco. Ni es relevante. Pues Marty Supreme constituye eso, aunque abarca mucho más. Se fundamenta en la trayectoria de Marty Reisman, un superviviente de Nueva York que alcanzó el campeonato del mundo de ping-pong tras iniciarse, por los años cincuenta, en los locales de Manhattan. Un sujeto propio de las calles de Nueva York, el lugar donde se formó como un pícaro.

Marty Supreme representa asimismo la descripción grupal de una identidad. En torno a Reisman —encarnado por Timothée Chalamet mediante una labor que podría otorgarle el Oscar— se reúne un conjunto heterogéneo de figuras. Ciertos individuos son afectuosos; otros, despreciables y viles. Representados por colaboradores estelares, tales como el cineasta Abel Ferrara, bajo la piel de un mafioso empeñado en recobrar a su can; la intérprete Gwyneth Paltrow, parodiándose ligeramente, su violento esposo y el autor David Mamet, igualmente, inmerso en un reparto donde cada uno —absolutamente todos— resultan asombrosamente cercanos. El drama social de esta cinta es infinito. Entre esa colección de infortunios, Chalamet surge como el gran embaucador: ese Lazarillo que los congrega para subsistir y vencer, buscando la gloria por encima de cualquier obstáculo o persona. Quizás su trabajo no constituya la actuación más destacada del ejercicio; ciertamente, no se trata de la labor más delicada ni precisa. No obstante, Chalamet brinda, en Marty Supreme, el desempeño más vertiginoso dentro del largometraje más claramente acelerado de este periodo.

Por Jordi Batlle Caminal

Durante el año 2004, el estadounidense Sean Baker y la taiwanesa Shih-Ching Tsou dirigieron conjuntamente Take out, una magnífica crónica sobre la vida de un inmigrante chino que reparte comida por las calles de Nueva York. Transcurridos más de veinte años, Shih-Ching Tsou, quien ha continuado su labor en la producción de las películas de Baker, realiza su primer largometraje individual, La chica zurda, en el cual el creador de la galardonada Anora también interviene como coguionista y productor ejecutivo. La localización es ahora Taipéi, la ciudad de nacimiento de la directora.

La chica zurda puede explicarse empleando los términos que Godard utilizaba al referirse a El desprecio: un filme sencillo acerca de asuntos complejos. Tales complejidades derivan de la conducta humana, partiendo de las tres figuras principales (una progenitora y sus dos descendientes, una joven y otra de cinco años, de progenitores diferentes) y continuando con los demás integrantes del círculo familiar y social. La cuestión económica, dentro de un contexto que evidencia un afán capitalista, aparece de forma recurrente tanto en las conversaciones como en el argumento. Asimismo, destacan las interacciones personales, bastante convulsas, y los lazos de parentesco, que durante la escena del aniversario de la abuela adquieren un tono de melodrama intenso e inolvidable, a la vez gracioso y lamentable. El eje de la historia es la pequeña (una intérprete infantil magnífica); la visión vital de la menor, marcada por su condición de zurda (“el brazo del diablo”, de acuerdo con su abuelo creyente en mitos) y con una naciente inclinación hacia el robo compulsivo. Resulta sobresaliente la gestión del escenario, especialmente en esa vía estrecha pero de gran afluencia, llena en sus costados de comercios y locales de comida exterior, a través de la cual el objetivo se desplaza con una agilidad magistral.

Nos encontramos frente a un filme afectuoso y emotivo, pero carente de sentimentalismo, que en ciertos pasajes, debido a su enfoque humanista, evoca la cinematografía de Hirokazu Koreeda, el Koreeda de Nadie sabe o Nuestra hermana pequeña.

Por Philipp Engel

Contar con Hanna Schygulla nos invita a reflexionar si un Fassbinder de 86 años, que hubiese sobrevivido a cada uno de sus excesos, habría dirigido una cinta como esta, acerca de un hombre árabe deprimido que se traslada a una isla lejana para suicidarse y termina por redescubrir la vida, gracias a la belleza sublime del entorno donde arrastra su pausada crisis existencial. No obstante, a pesar de su impecable fotografía, resulta difícil conectar con el protagonista y la duración de la obra se percibe desmedida.

Por S. Llopart

Este acercamiento al personaje de Kafka posee una valentía encomiable, combinando épocas y contextos en un recorrido gradual hacia el mítico escritor checo, creador de una perspectiva única sobre la realidad. No obstante, la visión de Agnieszka Holland no contribuye significativamente. Al contrario, termina por desorientar y causar desconcierto. Quienes ignoran todo sobre Kafka continuarán en el desconocimiento; quienes lo conocen, armarán el rompecabezas sin profundizar en su esencia. Deberán limitarse a identificar instantes y vivencias, como esa cucaracha triturada o la presencia dominante del progenitor del autor.

Por P. Engel

Con el propósito de festejar los 20 años del debut de Aída, Paco León proyecta lo que sucedería si la filmación persistiera en la actualidad, con Carmen Machi de retorno pero anhelando salir; Eduardo Casanova declarando que vive con sida, tal como en su cotidianidad, y Miren Ibarguren enredada en una broma fuera de lugar. El reparto al completo reaparece para integrarse en una amena modalidad de Pel davant i pel darrera que, a través de su gracia provocadora, cruda y popular, aspira a probarnos que conservan su chispa cuando se encuentran fuera de escena.

Por J. Batlle

Esta cinta comienza al modo de una “screwball comedy” de Mitchell Leisen y después, situada en la bella isla solitaria, se muda en una peripecia similar a la de “Seis días y siete noches” que paulatinamente acaba en un “grand guignol” de comedia negra, feroz y escatológica. A esta combinación insípida le otorga el autor de “Evil dead” y “Darkman” su habitual potencia narrativa y justas raciones de ironía y mordacidad, volviendo el resultado un entretenimiento fascinante. 

Por P. Engel

Relato de madurez en pleno duelo, la segunda película de Alayón (Slimane), cuenta otra vez con la excelente imagen de Mauro Herce (Sirât) que retrata, con una atractiva textura de celuloide, los entornos yermos de Fuerteventura y, al estilo de Claire Denis, la imponente anatomía de un peso pesado de la lucha canaria. Los conflictos entre un padre y su hija, solos y sin herramientas para apoyarse, derivan en un punto culminante de muy corta duración que permanece en el recuerdo. La sobriedad narrativa suscita sentimientos verdaderos.