Iris van Herpen, la moda a años luz: del ‘look viviente’ a la asistente virtual con IA
Entrevista
La modista se revela sobre cronograma científico y por qué no se siente orgullosa de la industria de la moda
El vestido 'Noosphere' - Tonos de verde y azul se tiñen sobre etéreos paneles de organza, formando una silueta de profundas aguas marinas mediante varillas ultraligeras de fibra de carbono
Mini maniquíes del tamaño de lámparas pueblan el taller. Cubiertos con papel blanco y trazado a lápiz, constituyen el primer escenario de la innovación de Iris van Herpen. Las láminas de celosía, la pared llena de alicates y tijeras, los alambres, plumas y pliegues en platina – todos harán que un vestido Van Herpen sea único. La modista que desafía tanto los límites de la alta costura como los de la ciencia dirige un estudio sumamente humano. “La gente piensa que será como un laboratorio”, se ríe.
Aquí, muchos objetos tienen un uso especializado, necesario para los materiales singulares, ya sean inventados o simplemente escasos. Sobre una estación de trabajo, lo que parece una linterna es en realidad una luz azul que acelera el endurecimiento de la resina en un vestido. En otra estación, la diseñadora barcelonesa Ana Llobet Genaro plisa a mano seda enrollada con firmeza. Más tarde el material se humedecerá y se colocará bajo la prensa de calor “para crear una textura completamente orgánica”, explica Van Herpen. Las impresoras 3D y las cortadoras láser con las que trabaja están en otro lugar en nombre de la innovación. “Siempre queremos trabajar con lo más reciente. No tiene sentido adquirir una impresora 3D que solo podamos usar durante un año”, señala.
Iris van Herpen casi siempre viste vintage, hoy luciendo una falda larga beige con una camiseta negra. Un cinturón corsé negro de diseño propio aúna el look con su aspecto de mariposa, las alas ampliamente extendidas. El cabello largo de la diseñadora, castaño rojizo, enmarca su mirada a menudo directamente al frente. Explica su día a día: una mezcla de investigación y desarrollo y trabajo en la próxima colección que da como resultado un flujo de trabajo “no lineal y caótico”. Van Herpen evita el enfoque formulista con el que fue entrenada en la universidad: “Encuentra tu inspiración, crea tu moodboard, haz tus dibujos, encuentra tus materiales, y luego empieza a hacer. Yo trabajo al revés”, clarifica. “Si tuviera que trabajar de esa manera, no saldría nada”.
En otro momento de su carrera una visita al taller en enero no hubiera sido tan tranquila. La decisión del año pasado de presentar una única colección para impulsar la I+D de la firma resuena en este ambiente de actividad apacible. Mientras que al comienzo de su carrera buscó mantenerse al ritmo de los exigentes ciclos de la moda e incursionó en el prêt-à-porter, desde hace tiempo ha validado su inclusión en la alta costura parisina con colecciones que transformaron agua en hielo o que tradujeron a textil el plancton encontrado bajo la superficie del océano.
La apuesta por un solo desfile anual es fruto de un periodo de reflexión para la diseñadora, que durante cinco años estuvo curando su retrospectiva, ‘Sculpting the Senses’. Cuando abrió en el Musée des Arts Décoratifs en 2023 se convirtió en la mujer más joven en realizar una exposición individual en la institución parisina. La exhibición ha pasado ahora por Australia, Singapur, y recientemente los Países Bajos, donde se exhibió en Kunsthal. Para mayo llegará al Brooklyn Museum.
A lo largo del camino, muchos de los museos han dicho a Van Herpen que su exposición es “la más compleja que hemos hecho”. Su joya de la corona es la culminación de años de investigación que Van Herpen planea continuar: un “look viviente” compuesto por 125 millones de microalgas. Estrenado en la Semana de la Alta Costura otoño-invierno 2025, acudió a la pasarela como una Cenicienta bioluminiscente. Ahí, el look viviente cobraba brío.
Mucho arte lo conectas mirándolo, pero con los vestidos estás dentro de la obra. Tú le das vida y al revés”
Después del último desfile compartió que el vestido de algas requirió cinco meses de esfuerzo para mantenerlo vivo. ¿Hubo preocupación de que no sobreviviera?
Varias veces. Uno de los grandes desafíos fue la ola de calor en Ámsterdam el mes antes de que fuéramos a París. Las algas no están felices cuando el clima supera los 30 grados, entonces les hicimos un hogar con las condiciones adecuadas y [el diseñador] Chris Bellamy instaló una aplicación para monitorearlas. Recuerdo recibir wasaps tarde en la noche como “las algas no están felices; tenéis que hacer algo”.
¿Cuáles fueron otros desafíos?
El ritmo de día y noche. Como los humanos, necesitan aproximadamente 8 horas de sueño pero queríamos que estuvieran activas durante el desfile a las 12 en punto del mediodía así que tuvimos que cambiar su ritmo lentamente. Si lo hacíamos demasiado rápido, se volvían a descontentar. Es comparable a un jet lag, uno se desequilibra mucho.
¿El vestido se mantiene del mismo modo en el Kunsthal?
Sí. Estoy feliz de que pudiéramos convencer al museo de mantener el vestido vivo para nosotros. Debo decir que somos afortunados de que Kunsthal no tenga su propia colección permanente porque podría haber un peligro de contaminación. Cuando estuvimos en el Musée des Arts Décoratifs —que es parte del Louvre y puedes imaginar el valor de una colección como esa— obviamente no querían arriesgarse a que ocurriera nada. Cuanto más avanzada es la colección, más difícil es empujar los límites.
Muchos de sus clientes son compradores para museos. ¿El hecho de que su obra pueda estar viva y creciendo pone en riesgo que sea coleccionada para la posteridad?
Absolutamente. Es un desafío nuevo, pero esos son los desafíos que me gustan. Para los museos es una manera completamente nueva de pensar porque no suelen querer nada vivo. Sigo chocando con esos muros. Lo entiendo completamente, pero también creo que los espacios de arte son realmente importantes para que pensemos en nuestro futuro y para profundizar la conversación en torno a la crisis climática.
¿Afecta cómo trabaja?
Sí, cambia la manera en que pienso para crear un diálogo distinto con los materiales. Como artista tomo mucha inspiración de la naturaleza, pero a lo largo de los años la naturaleza también se ha convertido en colaboradora, especialmente con las algas: un intento de aprender unas de otras y crear esta danza junto con la naturaleza.
¿Qué nuevas ideas está intentando realizar?
Estamos haciendo diferentes experimentos. No estoy segura de sí todos tendrán éxito, lo cual siempre es la parte emocionante de la fase de ideas. Algunos necesitan más tiempo o simplemente todavía no son posibles. También continuamos con TU Delft la investigación sobre las algas, que es lo que suelo hacer. No hago algo y luego lo dejo, profundizo en la investigación. Estamos estudiando crear un vestido que limpie naturalmente el aire a su alrededor, que es uno de los procesos que realizan las algas en su estado natural.
Los pasos más preciados hacia adelante toman más tiempo”
“Entrenó una IA para crear imágenes para la campaña publicitaria de la colección otoño-invierno 2023. ¿Ha seguido usando la IA?”
Sí. Una parte de ‘Sculpting the Senses’ que me gusta mucho es el atelier, porque es como entrar en mi cerebro. Allí intentamos mostrar tanto del proceso creativo como podamos. Como no puedo estar siempre en la exposición, tenía en mente crear un asistente virtual, como si fuera un “AI-ris”, una segunda versión de mí entrenada con mi conocimiento de las técnicas para que la gente pudiera tener un diálogo personal conmigo.
¿Por qué no se concretó?
Solo puede hacerse si la IA está enteramente entrenada con mi conocimiento. Se puede hacer; solo lleva tiempo. Empezamos el proceso pero lo detuve por mi propia seguridad. Creo que esta es la parte más delicada con toda la IA con la que estamos trabajando ahora. Si voy a compartir la información más preciosa y personal, entonces necesito tener control total sobre ella. Le preguntamos al equipo con el que estábamos trabajando: “¿Cómo vais a proteger mis datos en el futuro?” Y no fueron claros al respecto. Simplemente no sentí que fuera el camino correcto.
Los modistas siempre han enfrentado la amenaza de ser copiados. ¿Lo aplaude porque significa que está haciendo algo que vale la pena copiar o espera que nadie robe sus ideas?
Existen copias y luego existen las personas que hacen trabajo inspirado en el mío. Me parece bien si también se ve el ADN de esa persona en ello. Los híbridos evolucionan naturalmente pero cuando las personas realmente copian, obviamente no es agradable de ver. Sin embargo, mi ventaja comparada con los diseñadores de prêt-à-porter es que no se puede producir esto en masa. Tardamos cuatro o cinco meses en crear un look, y todo está hecho a mano. Es muy difícil de copiar y si ha sido copiado, se nota. Pero lo que sí se ve ahora es que muchos diseñadores sienten que están diseñando poniendo algunos prompts en la IA. Pueden pedir una colección de Iris Van Herpen, y simplemente aparece. Se puede notar claramente. Incluso puedo ver las imágenes originales que la IA tomó para generarlo y eso realmente no me gusta porque creo que la IA para las artes en su conjunto es injusta. Toma todos los datos, pero no devuelve nada al artista que originalmente lo hizo.
Muchos diseñadores 3D empiezan en un programa como CLO3D, creando una base y luego más tarde trabajar con un maniquí, en un momento en que la IA puede crear hordas de bases instantáneamente. Usted tiene un proceso de diseño muy táctil, empezando con el maniquí; ¿puede la IA facilitarle la vida?
La uso mucho para estructurar mi investigación y desarrollo. Cuando estoy trabajando con el equipo en el desarrollo de nuevos materiales y técnicas, a menudo uso IA para obtener los datos o fuentes correctos o incluso para encontrar colaboradores. A veces buscamos especificaciones muy técnicas. Estoy trabajando en una actuación para la nueva colección y no tengo idea de si funcionará, pero requiere una máquina casi imposible de encontrar. Estos son ejemplos en los que usamos IA para buscar de manera realmente precisa. Aparte de eso, no uso IA para mi proceso creativo porque es personal y no quiero ninguna interferencia. Quiero mantenerlo puro e intuitivo.
En una entrevista de 2019 con mono.kultur habló de cómo una de las cosas que le impedían hacer prêt-à-porter era que las fábricas en ese momento eran inflexibles, aunque no descartó que algún día volviera a trabajar en ese ámbito. ¿Dónde ve esa posibilidad ahora?
Creo que la situación con las fábricas está empeorando y mis técnicas están evolucionando para ser cada vez más elaboradas y multidisciplinarias. Así que las posibilidades de que haga prêt-à-porter son cada vez más pequeñas. En aquel entonces ya era el caso que les llevaba materiales o técnicas, y ellos solo podían hacer lo muy básico. Simplemente no quiero retroceder en el tiempo. Cuando tenía que trabajar con las fábricas se sentía como volver a la escuela.
¿Cómo sabe cuándo una colección es exitosa?
Puede mirarlo de diferentes maneras: comercialmente, creativamente, o según la respuesta del público.
¿La última colección triunfó en esos sentidos?
Sí. El último desfile fue el primero que hicimos donde pudimos trabajar toda la temporada en él, siendo el único del año. Para mí fue uno de los más exitosos porque hice todo lo que quería hacer. Con muchas colecciones estaría trabajando en algo y podría sentir la emoción y el potencial de ello solo para descubrir que no iba a ser posible en el mes y medio que nos quedaba. Es frustrante porque tienes que matar a tus queridos solo por tiempo. No pienso en términos de productos o comercio, pienso como artista, y simplemente tengo cosas en mi mente que necesito hacer.
¿Tiene una idea en la que constantemente siente “Si tan solo pudiera hacerlo”?
Siempre hay cosas… El look viviente fue algo que había estado en mi mente durante mucho tiempo. Me siento realmente desafiada cuando tengo ese tipo de condiciones y es algo que voy a explorar más; trabajar con materiales que están vivos me hace pensar de maneras diferentes. El enfoque es trabajar con los materiales vivos de una manera de alta costura. Hemos hecho experimentos con micelio u otras bacterias donde, aunque funcionó, simplemente no era alta costura, no era estéticamente lo suficientemente atractivo. Esos se descartan, pero encontrar el equilibrio entre el nivel de detalle de alta costura y el sentido textural del material es cuestión de tiempo.
Tener un desfile al año hace posible que sueñe más grande”
¿Qué le ha permitido tener un año entero para preparar la próxima colección?
Me permite ir en cada dirección en la que quiero ir. Antes pensaría en algo diariamente y sabríamos que no teníamos suficiente tiempo para hacerlo—especialmente trabajando con científicos porque ellos piensan de una manera completamente diferente.
¿Cómo piensan?
En moda se piensa muy a corto plazo, como ‘¿Tenemos una colección en cuatro meses? Tenemos océanos de tiempo’. Si trabajas con científicos, ellos piensan en años. Cuando trabajan en un experimento es durante cuatro, cinco, o seis años. Este cronograma fue una de las cosas que tuve que aprender. Al principio yo me ponía en contacto con un científico y siempre había este tipo de choque cultural. Tendríamos unos pocos meses para desarrollar la colección, y ellos necesitarían unos pocos años para poder trabajar con nosotros.
¿Cómo adaptó a este rumbo?
El taller empezó a trabajar en un sistema paralelo. Siempre intentamos continuar el I+D mientras enfrentamos la realidad de los plazos más cortos. Por ejemplo, ya llevamos cinco años en conversación con el MIT sobre diversas técnicas y, hasta ahora, no hemos podido implementarlas en una colección, pero esperamos poder hacerlo en un futuro cercano.
No se puede apresurar la ciencia.
No, no se puede. Aprendí que los pasos más preciados hacia adelante toman más tiempo. Al principio tuve que matar muchos desarrollos y ahora estoy intentando encontrar el equilibrio entre impulsar las cosas en las que realmente creo, aunque tomen más tiempo del que tenemos. Tener un desfile al año hace posible que sueñe más grande y que trabaje en un proyecto que sé que va a tomar un tiempo.
En los videos de que publica de entre bastidores de sus desfiles, se puede ver después de la pasarela de primavera-verano 2020 un momento en el que una modelo se abruma por la alegría y rompe en lágrimas. ¿Qué significa para usted ver ese momento de ‘me llevo puesto un vestido de Iris van Herpen’?
Es tan precioso y me recuerda una de las partes más hermosas de todo este proceso de alta costura: trabajar para un cliente. Hacer una obra personalizada para alguien es un proceso muy personal. Ocurre a menudo en las pruebas que alguien tiene lágrimas en los ojos porque es como llevar un retrato hecho en forma de escultura. Realmente es una traducción de esa persona en mi propia visión. Es muy emocional si todo eso se une y tú lo encarnas. Mucho arte lo conectas mirándolo, pero esto es distinto porque estás dentro de la obra. Tú le das vida y al revés. La obra puede hacerte sentir vivo y el desfile hace lo mismo. Para las modelos es un momento íntimo donde se llevan la obra por primera vez. Sientes la energía del público y es simplemente… Nunca volverás a tener ese momento. Todos lo entienden. Hemos tenido muchas lágrimas de alegría detrás de escena. No sé si es demasiado grande decirlo, pero realmente puede ser una experiencia espiritual si te abres a ello. Y algunas de las modelos realmente lo hacen.
Parece que no todo el mundo se puede poner un Iris van Herpen.
No todo el mundo, no. El proceso de audición para nosotros es intentar encontrar personas que conecten con la obra y usualmente son mujeres que tienen una sensibilidad para el arte o que aman los libros. Entienden la obra. Hay otras que quizás están en ello por el glamur o algo más pasajero y eso también puede funcionar, pero me encanta específicamente la mujer que me dice lo que ve en la obra. Obviamente, tengo mis propias inspiraciones y visiones detrás de ella, pero siempre me encanta escuchar lo que otras personas ven. Cuando escucho a alguien hablar del vestido puedo sentir si es una buena coincidencia. Se trata de una conexión inconsciente.
¿Cómo se siente cuando se pone sus vestidos?
Puedo tener esa misma sensación la primera vez que me lo pongo, pero ya lo suelo hacer durante la creación porque quiero ver cómo se mueve la pieza. Ese es el momento más valioso para mí porque tengo esa conexión con el look y puede influir en las decisiones que tomo en el diseño. Cuando me pongo los vestidos después, tengo la misma sensación, pero no es ese momento de nacimiento. Y cuando una modelo o una clienta se pone el look, lo es.
Comenzó su carrera en el taller de Alexander McQueen. Los diseñadores que trabajaron allí a menudo describen cuánta libertad para experimentar sentían. ¿Cómo fue su experiencia en McQueen?
Para mí fue muy importante estar allí. Él es una de las razones por las que me enamoré de la moda, porque tenía un lenguaje tan personal en todo lo que creaba. Se podía ver cómo su mente evolucionaba con cada colección. No en todas las marcas se ve la personalidad del artista, así que me inspiré mucho desde el principio. Cuando era más joven, durante mucho tiempo quise dedicarme a la danza, ya que mi madre era profesora de danza. McQueen y algunos otros diseñadores fueron los que me hicieron enamorarme de la moda. Ser parte de ese universo y sentir esa cantidad de creatividad y libertad fue inspirador. Recuerdo que en la carrera siempre hay alguien que lo guía en el proceso de las prácticas. Recuerdo que él me decía que tenía que ir a H&M.
No fue.
Me siento muy agradecida de ser terca, porque al final lo organicé yo misma. Fui a McQueen y no sé qué habría pasado si hubiera experimentado una empresa tan corporativa. Habría tenido una perspectiva completamente diferente sobre la moda, ¿verdad? Es tu primera experiencia en el mundo real y mi primera experiencia en el mundo real fue Alexander McQueen, así que mucha libertad creativa, mucho amor, la investigación y desarrollo entraron en cada trabajo, y realmente se ajustaba a la manera en que trabajaba y pensaba.
Los dos caminos se abrieron ante usted.
Se siente muy simbólico. Creo que toda mi vida habría sido diferente si hubiera tomado una decisión distinta. Aprendí mucho en McQueen, pero también aprendí a elegir mis propias raíces.
¿Hubo un momento de antes y después en su carrera en el que dijo: así será mi proceso y mis colecciones a partir de ahora?
El momento en que me invitó la Fédération de la Haute Couture fue como recibir un visado para trabajar de la manera que quería. Antes de eso, yo hacía alta costura, pero no era consciente de que la manera en que trabajaba podría encajar en ese mundo. Todavía pensaba en la alta costura clásica, donde todo tiene que ver con la artesanía tradicional, que, de hecho, todavía está en las reglas de la Fédération. Yo hacía alta costura a mi manera, pero estaba inmersa en la industria del prêt-à-porter. Todo el mundo espera que un diseñador de moda pase a la producción en masa, pero esa no es la visión que tengo y tampoco es lo que quiero hacer en relación con el mundo en el que vivo ahora. Siento que necesitamos alternativas a la producción en masa.
¿Cómo se ven esas alternativas?
Para mí se trata de crear cierta conciencia respecto a la cantidad de prendas que existen. Si miro la industria de la moda en su conjunto, no es algo que mire con orgullo. Y yo soy parte de ella, pero realmente quiero dar forma a una manera alternativa de trabajar, para no producir más de lo necesario. Eso es lo que amo de la alta costura. Solo se crea bajo demanda en vez de crear en masa y luego desechar la mitad o más. Esa no es una forma en que yo pueda trabajar.
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¿Comparte estos sentimientos con otros diseñadores?
Definitivamente. La sensación que recibo de algunos es que mucha gente busca un ritmo diferente y crear menos siempre significa un ritmo diferente. Algunos diseñadores tienen que hacer cuatro colecciones al año; creo que es inhumano. Para el diseñador, para el equipo, incluso para la prensa que tiene que asistir a esa cantidad de desfiles, y ni hablar del resto. Siento que muchas personas buscan un ritmo más agradable, pero cambiar es realmente difícil, en especial cuando se está en una gran empresa, y lo entiendo completamente. Para mí fue mucho más fácil porque este es un taller pequeño, pero si estás en una gran estructura, es muy difícil de cambiar.
¿Cuál es un camino ideal hacia adelante para la industria?
Espero que la moda se abra un poco. En el mundo del arte o con los músicos, muestran su trabajo cuando está listo. Idealmente, todos los directores creativos harían lo mismo. Eso sería un ecosistema hermoso, más abierto, y creo que están ocurriendo pequeñas cosas en esa dirección. Hay otras casas que desfilen alta costura una vez al año y han tomado un poco más de flexibilidad. Alaïa es el gran ejemplo histórico y creo que más personas deberían hacerlo. American Vogue va en la dirección de dejar el ritmo estricto de publicar una vez al mes para mostrar cuando sea relevante. Creo que necesitamos cambiar toda la mentalidad hacia eso: crear por el placer de crear y tener el tiempo suficiente para realmente hacer algo significativo.