'28 años después: El templo de los huesos' (★★★★✩), amando al monstruo y otros estrenos de la semana

Estos son los estrenos que llegan a las pantallas de cine este 16 de enero:

Por Salvador Llopart

En 28 días después (2002) hizo su aparición un nuevo tipo de zombi, poseído por la rabia salvaje, acelerado y violento. Más propio de la cultura punk, de la que provenían los creadores de la saga, Boyle y Garland, que de aquellos otros zombis fundacionales de La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, casi hippies en comparación, adormecidos en el horror e imparables como una marea. En esta cuarta entrega de la saga que avanza de 28 en 28 -de 28 días a semanas, y de semanas a años- la genealogía del monstruo da un paso más en el horror para englobar a los propios humanos. Un grupo de ellos, al menos.

Descerebrados, infantilizados y muy sangrientos humanos que solo han conocido en su corta vida el desastre zombi. Jóvenes zombificados en la violencia (seguro que más del gusto de los aficionados al género que la anterior entrega, más aventurera y menos sangrienta). Unos jovencitos semejantes a aquellos otros que hicieron de la violencia sin conciencia su marca de fábrica, y me refiero a la banda de La naranja mecánica, inmortalizada en el cine por Stanley Kubrick. Por otro lado, en un gambito narrativo propio del genio de Alex Garland, el guionista de la serie, el monstruo por antonomasia -el mega zombi- busca su redención en los desvelos del Dr. Kelson (Ralph Fiennes), medico solitario que conocimos en la anterior entrega y que encuentra su razón ser en la evocación de la humanidad perdida, a cuya memoria ha erigido un imponente templo de huesos, el que da nombre al filme. Paradojas de la existencia: Kelson/Fiennes ama al monstruo, lo que de humano queda en él, mientras los humanos se han vuelto más violentos y desalmados que los propios zombis.

La narración, en manos de la joven directora Nia DaCosta, deja de ser agitada y acelerada, como suele ser habitual en Boyle, el director de la anterior entrega, para serenar sus formas. El barroquismo del encuadre da paso a una cámara escrutadora, que no evita disgustos (sangrientos). Aquí la pirotecnia visual queda atrás, sustituida por los aullidos de las víctimas. Estamos, pues, ante una propuesta esencialmente de género, servida con efectividad por DaCosta. La joven cineasta sabe lo que quiere el aficionado al terror. Desde luego aquí lo encontrará.

Por Jordi Batlle Caminal

La edad de oro del cine de Juanma Bajo Ulloa se sitúa en el último decenio del siglo pasado: sus valiosos dos primeros largometrajes, Alas de mariposa y La madre muerta, y el éxito de taquilla Airbag. Los veinticinco años siguientes conforman un período de relativa sequía que alterna patinazos tan inasumibles como Rey gitano con eventuales señales de vida creativa como las que emitía Baby, arriesgado ejercicio de estilo formulado como un cuento de hadas sin diálogos. El mal, su nueva película, es un producto de calidad mediana, pero aporta el oxígeno suficiente para que podamos respirar en un paisaje no contaminado por las pretensiones de la cocina de autor.

El mal es un thriller psicológico, aderezado con elementos del cine de terror, de sugestiva premisa: una periodista experta en criminología recibe la llamada intrigante de una mujer que confiesa ser, desde hace más de veinte años, una asesina en serie (todavía en activo, como comprobaremos más tarde) y que le propone escribir su biografía, relatando con detalle toda su carrera criminal, con el objetivo de hacerse famosa y, de paso, proporcionarle un best seller literario. La hija adolescente de la escritora, su editor y viejo amigo y un exagente de inteligencia serán otros personajes de relieve en la trama.

Formalmente, Bajo Ulloa juega en esta ocasión en la liga de Brian De Palma o Dario Argento (por ejemplo, Tenebre, cuyo protagonista era un escritor de novelas de terror), ofreciéndonos un trabajo que no alcanza la inspirada caligrafía de tan insignes referentes, pero sí una muy aceptable elegancia: algunas de las muertes que contemplamos están francamente bien filmadas, sin caer en el fácil “grand guignol”. El rasgo más destacable de la siniestra función es la composición de Natalia Tena, la psicópata asesina, de mirada a la vez angelical y escalofriante: la mejor expresión de la maldad en estado puro desde la memorable tía Gladys cincelada por Amy Madigan en Weapons.

Por Philipp Engel

Un western queer ambientado en la cantina de transexuales de un pueblo minero del desierto de Atacama. El más carismático tiene una hija adolescente que es la que lo observa todo. También es otra fábula alegórica sobre el sida, cuyo nombre no se pronuncia y aquí se transmite cual hechizo a través de la mirada. Película tan arrebatada como una canción de Rocío Jurado (Ese hombre, concretamente), es un artefacto algo anárquico que fascina por su poética singularidad. El nuevo Xavier Dolan es chileno.

Por S. Llopart

¿Recuerdan aquellos aplausos al personal sanitario durante la pandemia? Turno de guardia es, a su vez, un hermoso y sentido aplauso a una enfermera en el desempeño de su trabajo. Lo que hace más verdadero y sentido este homenaje, su principal mérito, es que evita el melodrama para destacar la verdad de una jornada sin fin. La maravillosa Leonie Benesch, la protagonista, resiste lo indecible para no perder los restos de sensibilidad que le permitan acometer un trabajo tan duro y agotador como el suyo. Un aplauso redoblado, por nuestra parte, para un filme tan necesario. Y tan sincero.

Por J. Batlle

El techo de su casa se derrumba y el agua inunda la habitación, clara metáfora de la crisis de la protagonista, una madre con hija en tratamiento médico. La cámara se pega a su rostro y, en estado febril, histérico, intenta penetrar en el fondo de su mente. Es un filme tremendo y exasperante. Byrne, formidable, acaba de ganar el Globo de Oro a la mejor interpretación en comedia o musical. No hay musical y cuesta encontrar la comedia, que cuando asoma la nariz es negra como el carbón. 

Por P. Engel

El título no presta a engaño, esta es una nueva adaptación del relato de Richard Matheson que se convirtió en el fantástico clásico dirigido por Jack Arnold en 1957. Sólo que aquí ha dejado de ser increíble, provoca una angustia mucho más moderada y contiene incluso momentos que podrían rotularse Cariño, hemos encogido a Jean Dujardin. Tan inofensiva como prescindible, aunque entretenida, su mayor virtud es la de abrir las puertas a un cine en blanco y negro para el que la muchachada debería estar más preparada.

Por J. Batlle

Documental sobre la Grecia eterna y sus islas y, a la vez, cine-ensayo, experimental, y diario íntimo (las experiencias vividas por la cineasta). Propone una meditación sobre el tiempo, la vida y la belleza presidida por la serenidad, la contemplación (el folclore, la naturaleza, el ajedrez, esculturas milenarias…), la música (con intervención de la cantante María Farantoúri) y la poesía, mucha poesía: Kavafis, Keats, João Miguel Fernandes Jorge, etc. Una obra culta y civilizada.