'Father mother sister brother' (★★★★✩), la desconnexió afectiva i altres estrenes de la setmana

Aquestes són les estrenes que arriben a les pantalles de cinema aquest 25 de desembre:

Per Jordi Batlle Caminal

A Father mother sister brother, Lleó d'Or a la millor pel·lícula a l'últim festival de Venècia, Jim Jarmusch, l'infatigable ambaixador del millor i més autèntic cinema independent nord-americà des de fa ja més de quaranta anys, torna al film episòdic que ja va conrear amb encert en el passat. El film consta de tres episodis, com Mystery train, repartits en diferents ciutats del planeta, com a Nit a la Terra, i amb un tema comú: els llaços familiars, concretament les relacions entre pares i fills. 

En el primer (i més inspirat) episodi, dos germans (Adam Driver i Mayim Bialik) viatgen amb cotxe per visitar el pare (memorable Tom Waits) a la seva casa als afores de Nova Jersey. Serà una visita ràpida, gairebé fugaç, ni tan sols acompanyada amb una modesta mossada, malgrat que fa dos anys que no es veuen. El que crida l'atenció és que no tenen res que dir-se, només frases banals en un oceà de silencis que creguin una gran incomoditat. El mateix succeeix a Dublín: dues germanes (Tasti Blanchett i Vicky Krieps) visiten una vegada a l'any la mare (Charlotte Rampling) per prendre te i menjar pastissets en una taula on els vocables semblen necessitar un fòrceps per sortir de la boca. Al contrari, els germans bessons (Indya Moore i Luka Sabbat) del tercer relat parlen profusament dels seus pares, acabats de morir en un accident, visiten la seva casa de París i revisen velles fotos familiars, entre la tristesa i l'alegria del record. Ens queda un dubte: passava també la seva relació amb els pares per la desconnexió afectiva, com en els casos anteriors, o era més fluida i comunicativa?

Juganer, Jarmusch introdueix a tall de divertiment motius que es repeteixen a cada un dels tres episodis: els joves amb patins, el rellotge de marca, els signes del zodíac, els brindis sense alcohol (aigua, te o cafè), els comentaris sobre l'aigua, que en algun moment fan pensar en el desquiciado general Ripper de Telèfon vermell? Volem cap a Moscou, etc. Tot això formulat amb l'inimitable segell del cineasta: serenitat tonal, cambra relaxada, brots de malenconia, una mirada atenta i suaument irònica capaç d'extreure or dels petits detalls i una genuïna sensibilitat per captar l'aire del nostre temps.

Per Salvador Llopart

Setze tragicomèdies encapsulades en hora i mitjana de pel·lícula. Setze ocurrències que s'endinsen, amb sarcasme, en les misèries humanes. El somriure que produeix aquesta col·lecció de roïndats és el mateix que produeix la desgràcia aliena i, per tant, en bona mesura, suscita alguna cosa així com un somriure culpable. Cohn i Duprat, els directors, volen acostar-se amb Homo Argentum al costat fosc de l'ànima argentina. I en bona mesura en fan més i menys, alhora.

Amb la seva proposta, profundament urbana i occidental, s'han passejat amb major o menor fortuna -setze històries donen per a molt- per les misèries dels habitants masculins de qualsevol ciutat. Una col·lecció de gags amb voluntat acusadora que troba la seva millor referència en Monstres d'avui (1963), de Dino Risi. Mirada tragicòmica, com aquella comèdia italiana, als vicis de la societat. En aquest sentit, una mica més de concreció argentina, una mica més de grapa local, se li hauria posat bé al conjunt. La generalitat de la proposta, això de què serveix per a tots, la superficialitat, o sigui, és el seu llast més gran.

Lee también

Cohn y Duprat, directores de 'Homo Argentum': “El argentino es inconformista, discute y no respeta nada”

Astrid Meseguer

Des de la primera -en la que el protagonista enalteix les virtuts de l'home argentí per a un instant després, hipòcrita d'ell, cometre la més gran de les vileses- coneixem el rang emocional del film. Un rang que va de la hipocresia descarada, com en aquella primera història, al repàs dels punts cecs dels personatges. Personatges tristos, la majoria d'ells. Especial menció té aquell guarda d'aparcament, protagonista d'una de les històries més poètiques, seduït per una dona misteriosa que, al matí següent, haurà de tornar a la seva garita. I dic personatges quan en realitat només n'hi ha un de multiplicat per setze. Tots estan interpretats pel mateix actor, Guillermo Francella, que no escatima registres ni recursos per singularitzar cada una de les seves intervencions. Un triomf per a Francella. Per al duo de directors Mariano Cohn i Gastón Duprat, tot i això, tan sols un pas més en l'exploració de les misèries argentines, que tan bé van il·lustrar amb El ciutadà il·lustre (2016).

Per Philipp Engel

Ariel havia d'haver estat la culminació de dues trajectòries entrellaçades. La del director argentí Matías Piñeiro, que porta una dècada jugant amb les femenines comèdies de Shakespeare amb una sèrie de pel·lícules encantadores on la paraula és la música que arrossega les imatges, i la de Lois Patiño, cineasta avantguardista eminentment visual, poètic retratista de les forces de la natura com els esculls de la seva Galícia natal. Junts ja van portar a cap, a les màgiques Açores, el curt Sycorax (2021), preludi d'aquesta Ariel, que finalment ha escrit i dirigit el gallec en solitari. Això podria explicar una certa sensació de desequilibri. 

Continuen estant l'argentina Agustina Muñoz i els jocs metashakespearians de Piñeiro, mentre que la imatge, amb magnètica fotografia d'Ió de Sosa, oscil·la entre la psicodèlia psicotròpica i el surrealisme amable que respiren els paisatges de l'arxipèlag lusità. A Muñoz, que fa de si mateixa, li dona la rèplica Irene Escolar, una Ariel que ja no recorda a l'actriu que la interpreta, ja que en aquesta illa onírica, tots els personatges de Shakespeare campen al seu aire sense ser conscients de ser-ho, una ambiciosa ocurrència per a la qual Patiño encara no està a l'altura del bard de Buenos Aires. Hi ha una gràcia en les “shakespereadas” de Piñeiro, de Rosalinda (2011) a Isabella (2020), que aquí no ha arribat a la seva plenitud, malgrat la poètica aclaparadora dels seus més plans subjugadors.

Per J. Batlle

Després de la gran gresca que, amb la complicitat d'un Nicolas Cage autoparòdic, ens va regalar a El insuportable pes d'un talent descomunal, Tom Gormican reincideix en la comèdia metalingüística en una altra peripècia boja on tot remet el mateix cinema, particularment al cinema popular per a consumidors compulsius de crispetes. Els protagonistes, dos friquis de categoria, es proposen de rodar un remake d'Anaconda, l'epopeia amazònica realitzada per Luis Llosa el 1997, als mateixos escenaris de l'acció i amb menys recursos econòmics que Roger Corman a la seva producció més barata. 

Com era d'esperar, la filmació està esquitxada de situacions catastròfiques, gags de vores inspirats i moments tan inesperats com la trobada fortuïta, en ple riu, amb un altre equip de rodatge que també està fent, visiblement amb més pressupost, un remake d'Anaconda. La festa és tan ximple com raonablement divertida i recomanable. La condueixen amb entusiasme Paul Rudd i un Jack Black a la seva salsa, que fa una conscienciosa fusió dels seus personatges de King Kong (el cineasta que filma, filma i continua filmant sense temor del perill) i Rebobine, sisplau (on fabricava còpies casolanes de clàssics del setè arte). 

Per P. Engel

El cinema d'Eloy de la Iglesia només es pot comptar en ordre cronològic, ja que la seva vida i les seves pel·lícules eren indissociables. Va començar amb una pel·lícula infantil (Fantasía...3), però no va trigar a destacar amb obres de culte (La setmana de l'assassí), sense amagar la seva condició d'homosexual (Els plaers ocults), comunista incòmode per al partit (El diputat) o, per descomptat, heroïnòman: les xutades d'El Pico anaven en seriós. 

Així, recorrent als testimonis d'una vintena de personalitats –José Sacristán, Antonio Hens, Ángel Pardo, Fernando Guillén Cuervo...– que li van conèixer més o menys bé, i amb un muntatge d'imatges entre curiós i audaç on les cites de les pel·lícules poden actuar com punt d'exclamació d'algunes declaracions, Gaizka Urresti reivindica la figura del nostre Fassbinder o el nostre Pasolini, i ressuscita alguns debats que crèiem periclitats com les contradiccions d'un cinema polític elitista (Godard) davant la capacitat d'omplir sales d'un De la Iglesia no menys crític amb el sistema. Els francesos ja van reivindicar la seva figura amb una retrospectiva en la Cinematheque, així que és probable que ja estigui tot dit. Però el títol d'aquest documental ens recorda irònicament que, si l'addicció a l'heroïna del cineasta va copar tants titulars, potser hagi arribat per fi el moment de fixar-nos en el seu cinema més enllà de la veritat que transmeten els seus personatges, redescobrint les seves pel·lícules com a tals.