'Blue moon' (★★★★✩), el final de ‘Casablanca’ y otros estrenos de la semana

Estos son los estrenos que llegan a las pantallas de cine este 28 de noviembre:

Por Philipp Engel

“¿Con quién acaba Humphrey Bogart al final de Casablanca?” Suelta Ethan Hawke, caracterizado como el gran letrista de musicales Lorenz Hart, es decir más bajito, más feo y con menos pelo, al principio de Blue Moon, la película que lleva el título de una de las 500 canciones que este escribió junto Richard Rodgers (un impecable Andrew Scott). Si el chiste les ha hecho gracia, están en mi equipo, porque Blue Moon es una película fundamentalmente hablada que se desarrolla prácticamente en una única localización –el mítico Sardi’s de Broadway–, durante la noche del muy exitoso estreno de Oklahoma!, el primer musical producido por Rodgers y Oscar Hammerstein (Simon Delaney), después de los 28 firmados por Rodgers & Hart.

En otras manos, Blue Moon podría haber sido un auténtico desastre. Pero es una película de Richard Linklater y, aunque sería quizás exagerado decir que nunca falla, ya que precisamente dispone de una filmografía irregular porque se atreve con los experimentos más diversos, no deja de ser una garantía y aquí se las apaña para que esta pieza de cámara, antesala de su inminente y deslumbrante Nouvelle vague (que podría haber sido una gran Palma de Oro) no sea un tostón, sino todo lo contrario, algo en la estela del cine de Manoel de Oliveira o de la mítica Metropolitan (Whit Stillman, 1990). 

Hablamos de una delicia en la que Hawke / Hart, después de “deconstruir” en clave gay Casablanca, va saltando de tema en tema, poniendo verde al espectáculo kitsh y sentimental que fue Oklahoma –con punto de exclamación– o sugiriendo a E.B. White, otro cliente del bar, la posibilidad de un conejito de clase media, el futuro Stuart Little, mientras esquiva con la elegancia de un torero borracho, mediante graciosas carambolas verbales, la evidencia de que no es más que un hombre acabado, patético y desesperado, minado por el alcoholismo y por un carácter “omnisexual”, que le conducirá a su enésima decepción amorosa de la mano de una Margaret Qualley, que despliega sus encantos como si fuese la invitada del un Late-night talk show. En las cartas de su personaje, Elizabeth Weiland, se basa precisamente esta última función que inauguró por todo lo alto la última edición del festival de Gijón.

Por Jordi Batlle Caminal

Jafar Panahi realizó en 1995 su primer largometraje, El globo blanco, a partir de un guion de Abbas Kiarostami. En el año 2003, después de El círculo y antes de Fuera de juego, volvió a adaptar otro guion del maestro iraní, Crimson gold, que nunca vimos y ahora llega a nuestras salas coincidiendo con el reciente estreno de Un simple accidente. Un regalo inestimable, porque es uno de los títulos más brillantes de Panahi.

Crimson gold comienza con el suicidio del protagonista en la joyería que infructuosamente ha intentado atracar. De inmediato retrocedemos en el tiempo para conocer al personaje, un grandullón lacónico, introvertido y menos dado a la sonrisa que Buster Keaton, que trabaja como repartidor de pizzas y está a punto de casarse. Vemos varios viajes en su moto por calles con un tráfico y una vorágine humana demenciales, acompañado unas veces por el hermano de la novia, por la propia novia en otra ocasión o por las pizzas que ha de entregar en los domicilios que las han solicitado. De una duración concisa, Crimson gold reparte su metraje entre escenas cortas de transición y unas pocas secuencias más o menos largas y desconcertantes en las que Panahi calza apuntes mordaces de índole social. 

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Astrid Meseguer

En una memorable, el repartidor de pizzas ve interrumpida su tarea nocturna por una redada policial (se verá otra, más breve, poco después: el cineasta parece estar vaticinando su futura odisea con las represoras fuerzas gubernamentales). En otra, ubicada en la joyería del prólogo, el comentario sobre el choque de clases sociales es demoledor. Y hay otra, al final, en una casa muy lujosa, donde un tipo atribulado, que ha pedido pizzas para unas putas que acaban de irse, acoge al repartidor como si fuera su hermano. En todas estas viñetas, el protagonista ejerce el papel de observador mudo, por no decir invisible, de una realidad en la que no encaja. Crimson gold combina audazmente la sencillez expositiva con un contenido de alta complejidad.

Por P. Engel

La visión del juicio de Núremberg, desde una perspectiva eminentemente americana y centrada en el triángulo que forman el juez Robert H. Jackson (Shannon), el psicólogo Douglas Kelley (Malek) y el mariscal Herman Göring (Crowe), tiene tanto, a ratos, de comedia involuntaria como de teleserie de calidad, pero nunca deja de ser una propuesta interesante, por su inteligente juego con el idioma, y sobre todo porque nos lleva a darle vueltas a la espinosa y muy candente noción de “crímenes contra la Humanidad”.

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Astrid Meseguer

Por J. Batlle

Los servicios de emergencia atienden la desesperada llamada de auxilio de una niña atrapada en su coche, en Gaza, que está siendo acribillado por las balas. Una tragedia verídica y estremecedora reformulada como un thriller de suspense asfixiante. Aunque eficaz, hay que cuestionar la honestidad de la propuesta, en tanto que aquí se juega con la sensibilidad del espectador (las grabaciones que oímos de la pequeña son auténticas) haciendo espectáculo del drama humano, del dolor real. 

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Astrid Meseguer

Por Salvador Llopart

El Día Internacional contra la Violencia de Género se conmemora todos los 25 de noviembre, no hace nada de ello. Bella, desde la animación como formato, explica en qué consiste esa violencia desde un caso real que inspiró la película. Un caso esquemático, evidente y tristemente común. Aunque quizá decir película aquí no es adecuado: Bella es un panfleto que no se avergüenza de serlo. El esquematismo del dibujo es equivalente al de sus ideas, de manual, incontestables, duras como el pedernal. Ideas de batalla, o sea. Bella es un mensaje.

Por S. Llopart

El ruido de fondo en esta historia llena de ruido y furia lo pone la discriminación latente contra una joven mujer, Latifa, negra, barcelonesa de esa Barcelona sin turismo, de cuerpo no normativo. O como diríamos sin subterfugios, gorda. Habla con ilusión de victorias íntimas, esas que solo tienen sentido para quién las libra. El esquematismo del planteamiento, evidente, se solventa con pasión añadida: pasión rapera en sus interminables batallas de palabras, chorros de palabras, cataratas de ellas. La violencia es verbal. Y tiene filo.

Por P. Engel

Una Patricia López Arnaiz en la cima de su talento; una puesta en escena elegante que juega con elementos clásicos –la casa junto al lago–, y un dispositivo narrativo tan arriesgado y radical como lúdico y sorprendente que confronta la idea de duelo con la IA sin quedar desfasado. Una propuesta realmente Singular, que prolonga la tradición que va de A.I. (2001) a Ex Machina (2014), para ayudarnos a reflexionar sobre la naturaleza humana en tiempos maquinales, sin caer en la simpleza de dicotomías maniqueas.